VUELVEN LOS "CLÁSICOS" A NUESTRO COLE

Estos primeros días de cole hemos estado escuchando el fragmento más popular de la marcha "Pompa y circunstancia", del compositor inglés Edward William Elgar. Esta obra, tras la adaptación para la incorporación del texto de A.C. Benson "Tierra de esperanza y gloria" fue interpretada en la coronación del rey Eduardo VII de Inglaterra en 1902. En Estados Unidos se suele escuchar este tema en las ceremonias de graduación de universidades y escuelas secundarias.

A continuación os dejo un vídeo con la obra completa.

 

Esta semana comienza nuestro concurso de audiciones. Este año seguiremos con la música clásica para las entradas, por supuesto, pero para las salidas vamos a tener música variada de grupos y solistas españoles de diferentes estilos, épocas y géneros.

Si conocéis los temas, podéis dejar vuestros comentarios en esta misma entrada.

Suerte a todos y espero que os guste la música seleccionada para esta semana.

La Traviata (Brindis) de Giuseppe Verdi

La Traviata de Verdi es una ópera en tres actos basada en la célebre novela La dama de las Camelias, del escritor francés Alejandro Dumas (1824-1895), hijo del famoso Alejandro Dumas autor de Los Tres Mosqueteros.

La ópera fue estrenada en Venecia en 1853 y fue un verdadero fracaso. Al parecer, buena culpa la tuvieron los cantantes, que no estuvieron a la altura de las circunstancias. Además, el realismo del argumento, en que la protagonista moría al final, no gustó demasiado al espectador. Sin embargo, en sucesivas representaciones, la obra fue calando en el público hasta el punto de convertirse en una de sus favoritas.
En el brindis, que es uno de los fragmentos más conocidos y que se ejecuta poco después de comenzar la ópera, los invitados de una fiesta insisten en que Alfredo (tenor) improvise unos versos antes del brindis en el que participarán todos los presentes. Alfredo levanta su copa y canta un aria en que invita a aprovechar las delicias de la vida celebrando a cada instante la dicha del amor. Violeta (soprano) le responde diciendo que todo lo que no sea placer es locura, y que lo importante es gozar de los buenos momentos de la vida. Todos los presentes, copa en mano, se unen al brindis repitiendo alegremente la melodía.

Sinfonía nº 3 en Fa Mayor, op. 90 de Johannes Brahms

Beethoven, en la primeras décadas del s. XIX, daría paso a un nuevo movimiento cultural conocido como Romanticismo. Si en el periodo anterior (Clasicismo) se tenía muy en cuenta el aspecto formal y estructural de la música, los compositores románticos intentaban plasmar musicalmente las pasiones y sentimientos humanos, prestando más atención a expresarse libremente que a la forma de expresarse.
Sin embargo, Brahms era el más conservador de los románticos, ya que pensaba que el exceso de sentimientos se puede volver indisciplinado y desvirtuar el arte de la composición: actitud que le llevaría a mantener una rivalidad musical con compositores más progresistas, como Wagner.
Debido a su gran admiración por los compositores clásicos, sobre todo por Beethoven, y al respeto por las grandes formas clásicas, no se decidió a componer su primera sinfonía (sólo escribió cuatro) hasta pasados los cuarenta años, sinfonía que sería conocida por muchos como “la décima de Beethonen”.
Comenzó a componer la tercera sinfonía en 1882 y no la terminaría hasta el verano de 1883. Hans Richter dirigió el estreno con la Orquesta Filarmónica de Viena el 2 de Diciembre de 1883. Esta obra fue aclamada en cada representación e hizo que el nombre de Brahms resonara como nunca antes.

El tercer movimiento es uno de los más conocidos y el que escucharemos a lo largo de esta semana en el cole.

MÚSICA DEL COLE

Como ya expliqué a princicpio de curso, el programa"CLÁSICOS EN EL COLE", a traves del cual escuchamos música en las entradas y salidas del colegio, contiene la misma selección musical que el curso anterior. Debido a que este blog no había empezado a funcionar en el inicio del curso pasado, algunas obras musicales no habían sido explicadas. Desde este momento, retomaremos las "entradas antiguas" referentes a cada tema y, en algunos casos, serán completadas o modificadas.

Danza húngara nº 5 de Johannes Brahms

Desde pequeño, Johannes Brahms había estado en contacto con los ritmos y aires populares húngaros, ya que se dedicaba a tocar el piano por bares y terrazas para ganar un poco de dinero. Admirado y atraído por los insinuantes y embrujadores ritmos zíngaros (gitanos) que músicos ambulantes tocaban por calles o plazas, decidió plasmar aquellas melodías en el pentagrama.

La Danza húngara nº 5 es posiblemente la más célebre de las 21 que compuso. Todas ellas fueron escritas aproximadamente hacia el año 1872 para piano a cuatro manos y orquestadas posteriormente, aunque no por Brahms, que siendo un extraordinario pianista y un excelente orquestador sólo orquestó tres de ellas, sino por el compositor Martin Schmeling, versión que escuchamos actualmente.

Sonata nº 14, Op. 27 nº 2 "Claro de Luna" (adagio sostenuto) de Ludwig van Beethoven

En el verano de 1801 la sordera estaba ya tan avanzada que Beethoven tuvo que reducir drásticamente sus actuaciones en público y dedicarse a la composición. En una carta escrita a su amigo Wegeler el 2 de Junio de 1802, confesó: "Mis oídos zumban y silban continuamente día y noche.[...] desde hace casi dos años evito toda compañía, porque me resulta imposible decirle a la gente que soy sordo. Si ejerciera cualquier otra profesión todo seria más fácil..."

A finales de 1801 las condiciones de Beethoven mejoran un poco, y la depresión del verano se transformó en un impulso de vitalidad que coincidió, entre otras cosas, con el gran amor que llegó a sentir por una joven condesa de dieciséis años, alumna del compositor, llamada Giulietta Guicciardi. De este amor romántico nacerá la obra "Claro de luna", dedicada a su amada. Unaño más tarde se publicarán como opus 27 dos sonatas para piano, siendo ésta la nº 2.
Este momento no duraría mucho. Beethoven le propuso matrimonio y, aunque ella aceptó, no contó con la aprobación de su padre. Poco después ella se comprometió en matrimonio con el conde Gallemberg y se casarían en noviembre de 1803. El compositor volvió a un aislamiento que en el verano de 1802 le llevaría a pensar en el suicidio, como se puede ver en su célebre Testamento de Heligenstadt, remitido a sus hermanos: "Qué humillacón cuando alguien junto a mí oía de lejos el sonido de una flauta y yo nada [...], estos hechos me llevaban al límite de la desesperación y me faltó poco para quitarme la vida - sólo el arte me ha impedido hacerlo..."

Como hemos visto con otras composiciones clásicas, existen infinidad de versiones de este tema en muchos estilos musicales diferentes. Una versión que me ha gustado mucho, aunque el vídeo no tenga muy buena calidad, es la que hace el bajista Marcus Miller "a ritmo de jazz".

Septimino en Mi bemol mayor, op. 20 (tempo di minuetto) de Ludwig van Beethoven

El Septimino de Beethoven está compuesto entre 1799 y 1800, aunque no se publicaría hasta 1802. La obra, dedicada a la emperatriz María Teresa, está compuesta para un grupo de siete instrumentos (septeto o septimino, de ahí su nombre), que son: violín, viola, violonchelo, contrabajo, clarinete, fagot y trompa. Pertenece a la primera de las tres etapas en que se divide la obra del compositor. Dicha etapa se caracteriza por seguir el modelo de música establecido por el clasicismo. Se podría decir que esta obra es un homenaje a un género en decadencia, el de la serenata y el divertimento, destinado a los entretenimientos musicales al aire libre de la clase aristocrática.
El más conocido de los seis movimientos de los que se compone la obra es, sin duda, el tercer movimiento o minueto del Septimino (el que escuchamos en el cole). Este movimiento posee una de las melodías más encantadoras y pegadizas de toda la obra de Beethoven.

Seguro que a todos os ha sonado esta melodía, ¿verdad?
Aquí os dejo el vídeo de la banda sonora de la serie "Erase una vez...", que ha hecho que todos hayamos tarareado alguna vez una melodía de Beethoven sin saberlo.

Sonata nº 11 en La mayor, K. 331 (Marcha turca) de Wolfganng Amadeus Mozart

Todos los títulos de las composiciones de Mozart aparecen acompañados de la letra k (y no Op.) seguida de un número. Esta letra hace referencia a la inicial de Köchel, un caballero austriaco nacido en 1800 que dedicó gran parte de su vida al estudio y catálogo (en orden cronológico) de la obra de este compositor. Este catálogo comprende 626 números, siendo el Réquiem la última obra. A éstas hay que añadir algunas otras obras completas, así como diversos fragmentos encontrados posteriormente, llegando hoy día a contarse más de 800 obras compuestas por W. A. Mozart.
Mozart compuso esta sonata para pianoforte en el verano de 1778, a la edad de 22 años, en uno de sus viajes a París. El clavicémbalo col piano e forte o " pianoforte" es un instrumento creado a principios del s. XVIII por el célebre constructor italiano de instrumentos de teclado Bartolomeo Cristofori (1655-1731). La peculiaridad de este instrumento en su época era que podía emitir sonidos fortes (fuertes) y pianos (débiles), de ahí su nombre, a diferencia de otros instrumentos de tecla como el clave o el clavicordio. El nombre simplificado del pianoforte da lugar al actual piano.
Como ya hemos visto, la sonata "inventada" por Haydn constaba, por lo general, de cuatro movimientos y el primero de ellos debía tener una forma concreta: forma sonata. Pero no siempre sucedía así, el propio Haydn escribió algunas sonatas con dos movimientos, y algunos compositores como Mozart hacían unas sonatas algo diferentes.
Esta sonata consta de tres movimientos y el primer movimiento no tiene forma sonata, sino que son unas variaciones sobre un tema.
El tercer movimiento (el que escuchamos en el cole) denominado "Marcha turca" pretende imitar el estilo musical de las bandas turcas de jenízaros y tiene forma de Rondó: estructura basada en un estribillo (A) que se alterna con diferentes estrofas, dando lugar a una estructura de tipo A-B-A-C-A-D-...

A continuación os dejo una versión algo "diferente" de este mismo tema.

Por último, os dejo un FANTÁSTICO vídeo con la versión más "turca" de todas. Está interpretada por Igudesman & Joo, dos genios que combinan la música y el humor. Los descubrí este verano por casualidad y más adelante pondré más vídeos de ellos en este blog porque son una autentica gozada, la pena es que los diálogos son en inglés.

Sinfonía nº 101 en Re mayor "El reloj" de Joseph Haydn

En la segunda mitad del siglo XVIII empieza un nuevo periodo artístico conocido como el Clasicismo Musical, cuyos mayores representantes son los tres compositores de la Escuela de Viena: Haydn, Mozart y Beethoveen (en su primera época).

La forma sonata será la base sobre la que se componga una parte muy importante de la música instrumental de este periodo, pero no la sonata empleada en el barroco o suite, sino una nueva forma de sonata clásica.

La sonata clásica se divide, generalmente, en cuatro movimientos: 1º Rápido (forma sonata), 2º Lento, 3º Minueto (o Scherzo) y 4º Rondó. Éstas podían escribirse para un instrumento solista, dos instrumentos (violín y clave, por ejemplo) o para más instrumentos. Cuando la sonata se escribía para un determinado número de instrumentos se nombraba únicamente con el número de intérpretes del grupo, por ejemplo: trío (sonata para tres), cuarteto, quinteto, ... Si la sonata era escrita para una orquesta tomaba el nombre de sinfonía.

La sinfonía nº 101 de Franz Joseph Haydn fue compuesta entre los años 1793 y 1794 y estrenada en Londres el 31 de Marzo de 1794, bajo la dirección del propio compositor. Esta obra toma su apodo de "El reloj" del 2º movimiento (el que escuchamos en el cole), que comienza con el tic-tac de los fagotes y las cuerdas en pizzicato acompañando a la melodía principal.

El Mesías (Aleluya) de Georg Friedrich Haendel

Un oratorio es una composición musical para orquesta, cantantes solistas y coro de carácter religioso. Al principio sólo se diferenciaba de la ópera en el tema (religioso en el caso del oratorio), pero posteriormente el oratorio dejó de representarse.
Georg Friedrich Händel cuenta con 56 años de edad cuando compone su oratorio más famoso y una de las obras cumbres de la historia de la música. Entre el 22 de Agosto y el 14 de Septiembre de 1741 (solamente 24 días) escribe El Mesías.
El libretista Charles Jennens compuso el texto, formado por fragmentos bíblicos, y presentó la obra como si fuese una ópera (tres actos divididos en escenas).
Las condiciones para un estreno en Londres no son del todo favorables, de modo que Händel prefiere estrenar la obra en Dublín. El día 13 de Abril de 1742, la partitura de El mesías se escucha por vez primera en la capital de Irlanda. El éxito arrollador que alcanza el oratorio la abre las puertas de Londres , donde en 1743, en el Convent Garden y ante el rey y su corte, se presenta la obra. Parte del público muestra su descontento por el hecho de que se canten textos sacros (religiosos) en un teatro, pero la anécdota más difundida del estreno se refiere al "Aleluya": el monarca se puso en pie al escuchar los primeros compases y desde entonces es una tradición británica levantarse del asiento para escuchar dicho pasaje.

Adagio para cuerda y órgano en Sol menor de Tomaso Albinoni

El término adagio indica que el tiempo de ejecución de la obra debería ser lento y reposado. También se suele denominar así a los movimientos de las sonatas, sinfonías o conciertos que se interpretan en un tempo lento.

Este adagio se trata , en realidad, de un arreglo realizado por el musicólogo Remo Giazotto en 1947 (poco después de la Segunda Guerra Mundial) y se basó en temas originales de una sonata de Albinoni que pudo ser compuesta en 1740.

El término sonata, en sus orígenes, hacía referencia a la música que debía ser "sonada" o ejecutada por instrumentos de arco, en oposición a términos como cantata (música para ser cantada) o tocata (música para ser tocada por instrumentos de tecla).

La sonata podía ser para un número diverso de instrumentos: la sonata para solista y bajo continuo se escribía en dos partes melódicas o la "sonata en trío" (muy empleada en el barroco), que se escribía para dos solistas (2 violines, 2 flautas, violín y flauta, ...) y bajo continuo.

En el barroco había dos tipos de sonatas:

- Sonata da chiesa (de iglesia), 4 movimientos (o más) en alternancia lento-rápido.

- Sonata da camera (de cámara), muy parecida a la suite barroca.

Actualmente se siguen haciendo versiones de este magnífico tema para estilos musicales muy diferentes. A continuación os dejo una versión cantada del Adagio.

Y para cerrar la entrada os dejo un ejemplo de cómo la música "clásica" sirve de referencia e inspiración a cualquier tipo de música.

Canon y Giga en Re mayor de Johann Pachelbel

El canon es una composición musical para dos o más voces, en el que cada voz va entrando de forma sucesiva imitando a la anterior. Y la giga es una danza que estaba muy de moda en el barroco (siglos XVII y primera mitad del XVIII), que tiene un ritmo rápido y ternario, y que solía tener pasajes imitativos o fugados como el canon.
Otra danzas que podían formar parte de una suite (agrupación de danzas) en el barroco eran, por ejemplo, las siguientes: allemande, courante, zarabanda, gavotta, minuetto, bourreé,...
Esta obra fue compuesta por Pachelbel en el año 1680, aproximadamente, para tres violines y bajo continuo. El bajo continuo ( o continuo) era la forma típica de acompañamiento en esta época, utilizando el recurso de la improvisación a partir de un bajo cifrado, por lo que los intérpretes requerían una gran técnica y conocimientos de armonía. Este tipo de acompañamiento era realizado por varios instrumentos: un instrumento melódico grave (cello, fagot, viola da gamba,...) y, al menos, otro instrumento polifónico (clave, órgano, laud,...).
Este canon consiste en 28 variaciones sobre un ostinato (repetición de un esquema rítmico, melódico o rítmico-melódico) de 10 compases, y va seguido de una giga, que no siempre se interpreta, ya que la parte más conocida de la obra es la primera, conocida como "El canon de Pachelbel".

Se han hecho muchas versiones de esta pieza: para diferentes agrupaciones intrumentales, para dieferentes estilos, para el cine, para televisión,... pero, sin duda, una de las más divertidas que he visto es la que os dejo a continuación. Espero que la disfrutéis.

Concierto nº 3 para violín y orquesta "El Otoño" en Fa mayor (Allegro) de Antonio Vivaldi

La opus 8 de Antonio Vivaldi consiste en una colección de 12 conciertos para violín y orquesta publicada en 1725 y titulada Il cimento dell'armonía e dell'invenzione, de los cuales los 4 primeros conciertos son Las cuatro estaciones.

Al igual que el concierto de Brandemburgo de Bach, se trata de un concierto barroco, aunque en vez de estar escrito para un grupo concertino, está escrito para un instrumento solista (violín) y orquesta.
Vivaldi es uno de los primeros compositores en escribir música descriptiva, ya que en los conciertos de Las cuatro estaciones intenta dibujarnos paisajes de las diferentes épocas del año a través de su música.
En el primer movimiento de "El otoño" (allegro) el compositor escribió lo siguiente: "Con canciones y con danzas los campesinos celebran la alegría de una buena cosecha. Disfrutan de su embriaguez y luego caen dormidos".

"LOS CLÁSICOS" TAMBIÉN VUELVEN AL COLE

Este curso retomamos el programa de audiciones Clásicos en el cole que pusimos en marcha el año pasado. Como ya sabemos, además de no tener que "sufrir" el ruido del timbre en las salidas y entradas del colegio, con este programa pretendemos que los alumnos y alumnas se familiaricen con la música clásica. Estas audiciones no sólo se oirán en la megafonía, sino que se trabajarán en la clase de música, se explicarán en este blog, se pondrán explicaciones en los pasillos del colegio... y sería bastante interesante que los papás y las mamás también participaran de este programa desde casa (por ejemplo a través de este blog).

Las audiciones de este año serán, en principio, las mismas que las del curso anterior; principalmente para ver en qué medida estamos consiguiendo los objetivos que nos planteamos con esta actividad y también porque los niños/as (y también los mayores) prestan más atención a la música que ya conocen, o que por lo menos les suena de algo, que a aquella que no conocen de nada.

Si pinchas aquí podrás ver la temporalización de las distintas audiciones programadas para el curso.

Concierto de Brandemburgo nº 2 en Fa mayor (Allegro) de Johann Sebastian Bach

El concierto barroco es una composición musical en la que un instrumento solista o un grupo de solistas (concertino) dialogan con el resto de la orquesta (ripieno o concerto grosso).
Los conciertos suelen constar de tres partes o movimientos: siendo el 1º rápido, el 2º lento y el 3º rápido; tomando éstos el nombre de la palabra italiana que hace referencia a la velocidad o aire con que se interpretan (allegro, andante, adagio, etc.).
Los Conciertos de Brandemburgo son una colección de 6 conciertos barrocos que J.S. Bach dedicó al Margrave de esta ciudad (Christian Ludwig), un noble al que el músico conoció tiempo antes en Berlín y que no prestó demasiada atención al regalo.
El concierto nº 2 en Fa mayor, BWV 1047 fue compuesto en 1718 para los siguientes instrumentos: trompeta, flauta, oboe y violín. El movimiento que nosotros escuchamos en el cole es el primero (allegro), por lo tanto es rápido.
Al nombrar las obras de Bach no se usa la palabra OPUS (Op.), sino que sus obras se catalogan con las siglas BWV (Bach Werke Verzeichnis). Este catálogo fue realizado por Wolfgang Schmieder en 1950.

Concierto de Aranjuez (Adagio) de Joaquín Rodrigo

El Concierto de Aranjuez es, sin duda, la obra más conocida del maestro Joaquín Rodrigo y una de las obras más universales de la música española. Era el primer concierto que escribía para guitarra y orquesta, y aunque no tocase la guitarra, sino el piano, supo captar el espíritu de la guitarra española. Fue compuesto en 1939 por sugerencia del guitarrista Regino Sainz de la Maza, durante un encuentro que ambos tuvieron en París, siendo este mismo quien interpretase la obra el día de su estreno en el Palau de la Música de Barcelona en noviembre de 1940.

La obra trata de transportar al oyente a otro lugar y a otro tiempo, concretamente a los jardines del Palacio Real de Aranjuez a finales del siglo XVIII y fue escrita, al igual que todas sus obras, en sistema Braille (como se ve en la foto) y posteriormente dictado a un copista para que lo escribiese en una partitura “normal”.

La partitura se hizo famosa inmediatamente en el mundo entero y ha sido interpretada, grabada y arreglada por innumerables guitarristas (Narciso Yepes, Pepe Romero o Paco de Lucía entre otros); incluso el famoso trompetista de jazz Miles Davis se atrevió a hacer una versión en su disco Sketches of Spain (Esbozos de España); o esta versión que os dejo del pianista Cihck Corea junto a músicos como Jorge Pardo o Carlos Benavent, entre otros.

El amor brujo (Danza ritual del fuego) de Manuel de Falla

En el año 1914, la cantante y bailaora gitana Pastora Imperio se pone en contacto con Manuel de Falla y sus libretistas (el matrimonio Gregorio Martínez Sierra y María Lejárrega) para encargarles una obra en las que pueda lucirse tanto en el cante como en el baile. Durante los meses en que estuvo trabajando en el proyecto, Falla se entrevistó con la madre de la bailaora, Rosario la Mejorana, quien instruyó al compositor respecto a las canciones y leyendas del folklore gitano.

El 15 de Abril de 1915 se estrenó en Madrid la gitanería en dos cuadros titulada El Amor Brujo, compuesta por un total de 16 números; a través de los cuales el autor nos conduce por un fantástico viaje por el mundo oscuro y misterioso de la noche y de los espíritus, evocando danzas y ritos mágicos.

Como inicialmente la obra no tuvo demasiado éxito, el compositor hizo varias revisiones de la partitura hasta que alcanzó su forma definitiva como ballet en un solo acto, suprimiendo y cambiando algunos números de la partitura original (como la Danza ritual del fuego, que se titulaba “Danza del fin del día” en la primera versión). El ballet se estrenó el 22 de Mayo de 1925 en el Théâtre du Trianon-Lirique de París con un éxito arrollador, interpretando el papel protagonista la célebre bailarina Antonia Mercé “La Argentina”.

Danza española nº 5 (Andaluza) de Enrique Granados

Danzas españolas (1892-1900), de Enrique Granados, es una colección de 12 pequeñas obras para piano distribuidas en 4 cuadernos con 3 danzas cada uno. Esta obra, cuyo primer cuaderno apareció en 1892, sería con la que se diese a conocer como compositor (ya era conocido como intérprete), despertando una gran admiración del público, así como de grandes músicos de la época como Eduard Grieg, Cesar Cui o Camile Saint-Säens, entre otros.

El hecho de que Granados tuviese como profesor de composición en el conservatorio de Barcelona a Felipe Pedrell (gran compositor y teórico de nuestro folklore, y autor del Cancionero Popular Español) influyó de manera decisiva en su obra. Las danzas españolas poseen un claro carácter nacionalista, reflejando en cada una de ellas impresiones evocativas al folklore de los distintos paisajes españoles a los que hace referencia.

La danza española nº 5, “Andaluza” (también denominada Playera) es la que ha logrado más popularidad entre todas, llegando a ser una pieza indispensable del repertorio pianístico internacional, así como también ha sido objeto de innumerables transcripciones para diferentes instrumentos, especialmente para guitarra.

A continuación os dejo un vídeo con una versión orquestal. Espero que la disfrutéis.

Turandot (Nessun dorma) de Giacomo Puccini

Turandot de Puccini es una ópera en tres actos basada en la novela homónima de Carlo Gozzi, adaptada por los libretistas G. Adami y R. Simoni; pero en realidad, la trama argumental está inspirada en una antigua historia persa, “Las mil y una noches”.
Puccini empieza a trabajar en esta ópera en Enero de 1921 y en Marzo de 1924 tenía la obra terminada, excepto el dueto final. En Octubre de ese mismo año, se le detecta un cáncer de garganta que acabaría con su vida unas semanas más tarde, el 29 de Noviembre de 1924, dejando inacabada la partitura. Y aunque Puccini deja instrucciones para que R. Zandoni termine la ópera, será Franco Alfano quien termine el trabajo por deseo expreso de su hijo Tonio.
Turandot se estrenó el 25 de Abril de 1926 en La Scala de Milán, bajo la dirección de Arturo Toscanini. A la mitad del tercer acto, la orquesta se detuvo, Toscanini bajo la batuta, se volvió al público y dijo: “Qui il Maestro finí” (que viene a significar, aquí terminó el maestro). La obra fue aclamada por el público y su éxito todavía perdura.
El aria de Calaf, el “príncipe desconocido”, es uno de los pasajes más célebres de la historia de la ópera. Se escucha al principio del tercer acto, después de que haya acertado las tres adivinanzas que Turandot le propuso y él le proponga a ella adivinar su nombre. El príncipe pide al pueblo que no duerma nadie para ayudar a la princesa a averiguar su nombre. Él está seguro de que cuando salga el sol, nadie lo habrá acertado y vencerá. Al alba, Turandot será suya.

Peer Gynt (La mañana) de Edvard Grieg

La obra Peer Gynt pertenece al género de música incidental, es decir, música compuesta para ilustrar una obra de teatro. Los orígenes de este género se remontan a la antigua Grecia y llega hasta nuestros días en forma de bandas sonoras para el cine.

En 1874, el dramaturgo H. Ibsen pidió su colaboración al joven compositor E. Grieg para dar forma escénica a una obra que había escrito unos años antes (en 1867). La obra, un drama en cinco actos, estaba inspirada en el folklore y la mitología nacional, donde contaba la historia de un ambicioso muchacho que vive insólitas aventuras. Para la enorme cantidad de texto dramático, Grieg compuso nada menos que veintiséis números musicales (instrumentales y vocales), también basados en el folklore musical de su país. Y aunque el estreno estaba previsto para el año 1875, la obra de estos dos genios de la cultura noruega no se estrenaría hasta el 24 de febrero de 1876, en Oslo, con un enorme éxito.

La música incidental completa de Peer Gynt sería publicada en 1875 como Op. 23. Tras el éxito de la obra, el compositor pensó en hacer varias suites. De esta manera agrupó ocho de los veintiséis números en dos suites con cuatro piezas cada una. La suite nº 1 se publicó en 1888 como op. 46, con la siguiente selección: 1.La mañana 2.Muerte de Ase 3.Danza de Anitra 4.En la morada del rey de la montaña; y la nº 2 sería publicada en 1891 como op. 55, con la siguiente selección: 1.Lamento de Ingrid 2.Danza árabe 3.El regreso de Peer Gynt 4.Canción de Solveig.